Sejarah Musik dan Sumbernya

Sejarah Musik dan Sumbernya

Seni Notasi Musik

Dalam sumber utamanya, musik menyatu dengan seni representasional. Tradisi lisan telah memainkan peran mendasar dalam segala usia, tetapi dalam pengertian formal, sejarah – dan sejarah musik – dimulai dengan rekaman visual.

Notasi musik, yang muncul dalam skala luas di semua peradaban, menghasilkan sendiri catatan yang sangat individual tentang upaya artistik. Para biarawan abad pertengahan yang menyusun misa-misa dan buku-buku liturgi lain untuk pelayanan ibadat bangkit dari fungsi mereka sebagai ahli Taurat kepada seniman dalam hak mereka sendiri; di antara dokumen terbesar seni Baroque adalah holograf karya Bach; dan fase yang sepenuhnya baru dalam desain skor musik artistik dimulai pada abad kedua puluh. Sumber utama musik yang direproduksi dalam volume ini bergantung pada berbagai aspek seni grafis, tetapi yang terpenting di antara mereka adalah representasi dari suara musik itu sendiri, seni notasi musik.

Di antara bermacam-macam bentuk gambar musik yang telah diambil adalah huruf atau suku kata, untuk mewakili nada individu, dan simbol untuk mewakili kelompok mereka. Tetapi pendekatan yang lebih maju diungkapkan dalam notasi yang dipandu tidak hanya oleh keinginan untuk memperbaiki kesan langsung dari suara musik yang diberikan tetapi dengan upaya untuk membuat tindakan kinerja musik dalam kontinuitasnya. Tanda-tanda notasi yang membuktikan pengaruh paling langgeng adalah neeks yang sangat ekspresif; dari merekalah gaya tulisan skrip musikal yang umumnya hidup. Istilah ini berasal dari kata Yunani neuma – anggukan atau gerak, dan dalam konteks khusus ini isyarat atau isyarat manual untuk membentuk tingkat nada yang berbeda – dan ini menunjukkan aliran melodi seperti yang ditunjukkan oleh pemimpin ensemble. Banyak digunakan dalam praktik musik Timur dan Barat, neumes itu selalu terhubung dengan kinerja vokal yang notasinya juga sangat dibantu oleh bergabungnya simbol musik dengan teks verbal.

Langkah situs judi slot online menentukan dalam evolusi gambar yang mudah dipahami untuk suara musikal diambil oleh rahib Benediktin Guido dari Arezzo (sekitar 1000), pembimbing sekolah paduan suara katedral di kota Italia utara itu dan seorang ahli teori tentang hadiah pedagogis yang tidak biasa. Prestasi Guido adalah menempatkan garis-garis pada garis, untuk orientasi yang lebih jelas digambar dalam berbagai warna dan mewakili interval sepertiga. Dengan penemuan ini ia menciptakan dasar dari sistem yang tetap hidup dalam praktik modern. Begitu cepat berhasil metodenya sehingga Paus Yohanes XIX, “setelah instruksi singkat, dan yang mengejutkannya, mampu membaca-melodi yang sebelumnya tidak dikenalnya, tanpa kesalahan,” dan dengan bangga, Guido menambahkan “musica sine linea est sicut puteus sine fune “(” musik tanpa garis seperti sumur tanpa tali “).

Perbaikan Guido dalam definisi pitch diikuti oleh kemajuan yang sesuai dalam menentukan durasi suara musik secara grafis. Penggunaan neumes secara bertahap memberi jalan pada nota berbentuk persegi dan kombinasi nota dalam apa yang disebut ligatur. Meskipun jelas berasal dari bentuk-bentuk neo, simbol-simbol baru ini melayani tujuannya dengan ketelitian yang lebih besar.

kontribusi terhadap sejarah musik. Pengaruh dari selatan dan timur bertemu dengan orang-orang dari utara dan barat di mana tradisi musik monofonik – melodi tanpa iringan – bergabung dengan perkembangan dalam menyelidiki harmoni suara yang terdengar bersamaan. Mereka mengarah pada karya para master di Notre Dame di Paris dan berbagai daerah lain di Perancis utara, tokoh-tokoh pertama dalam sejarah musik yang menonjol sebagai komposer individual gaya pribumi. Dalam pengaturan polifonik awal nyanyian, nilai nada panjang dan pendek dibedakan dengan menerapkan mode berirama, disimpulkan dari meter ayat zaman kuno, untuk kelompok catatan. Tetapi ahli teori abad keempat belas menyatakan perbedaan kategoris antara gaya lama dan gaya baru (ars antiqua dan ars nova), yang terakhir tercermin melalui notasi yang menyimpang dari sistem modal dan mengadopsi sistem pengukuran ketat, yang disebut notasi mensural. Perbedaan nilai nada tumbuh, menambah bentuk persegi yang ditempatkan secara horizontal lebih tepat menempatkan bentuk berlian; dan warna not berubah dari hitam menjadi putih (mis., garis besar hitam dari bentuk not yang, sekali lagi, memastikan ketepatan notasi yang lebih baik).

Penampilan luar biasa dari misa-misa dari Abad Pertengahan yang memudar dan awal Renaissance, dengan iluminasi mereka yang mewah, kadang-kadang membuat sulit untuk memutuskan mana yang merupakan pencapaian artistik yang lebih besar: naskah itu sendiri, atau seni yang diwakilinya. Kita berhadapan dengan suatu periode yang belum sepenuhnya sadar akan perbedaan antara seniman dan pengrajin yang dikenal di zaman-zaman selanjutnya. Tetapi waktu semakin dekat ketika karya juru tulis digantikan oleh yang berasal dari pusat-pusat percetakan yang minat dan pengaruhnya mencapai melampaui lingkup artefak individu. Proses pencetakan musik jelas tumbuh secara bertahap. Pada fase awal, hanya garis-garis yang diberikan dalam bentuk cetak, neume yang dimasukkan dengan tangan, atau folio diproduksi dengan “pencetakan ganda” – garis-garis berwarna merah dan, dalam cetakan kedua, nada-nada hitam. Printer pertama musik mensural, Venesia Ottaviano Petrucci, sudah lama dianggap sebagai penemu seni mencetak musik dengan jenis bergerak, namun karya baiknya (dimulai sekitar 1500) didahului oleh berbagai toko cetak di utara.

Abad keenam belas menjadi “zaman keemasan” yang menghasilkan ringkasan klasik dari seni polifoni vokal dalam musik sakral dan sekuler serta dalam risalah tentang teori musik. Di antara yang terakhir, L’Istitusii Harmoniche (1555, dicetak ulang tahun 1562 dan 1573) oleh Gioseffo Zarlino (1517-1590), Master of the Chapel di St. Mark’s di Venesia, mengambil tempat yang unggul. Seperti judulnya, karya ini didedikasikan untuk cita-cita simetri dan proporsi kuno, “keselarasan semua bagian dalam kaitannya dengan keseluruhan,” seperti yang dijelaskan oleh para penulis zaman kuno. Dalam diskusi menyeluruh tentang korelasi nada dan melodi, Zarlino – seperti penulis awal pada perspektif – melihat dirinya berkewajiban untuk menciptakan terminologi yang sama sekali baru. Perhatiannya pada pengukuran dan konsep-konsep pembagian dan inversi memberikan karyanya wewenang meluas ke seni rupa serta musik, dan banyak ilustrasi ornamen yang menyertai teksnya jauh melampaui hiasan tradisional dari huruf awal yang ditingkatkan. Mereka membuat desain ilmiah yang mewakili lawan sejati dari pencetakan musik dekoratif pada zaman itu.

Karya ini dibagi menjadi empat bagian yang penulis gabungkan dalam dua bagian yang lebih besar. Pasangan pertama berkaitan dengan sifat konseptual dan fisik dari suara musik, dan yang kedua dengan teknik komposisi. Apa yang diakui Zarlino dan, pada kenyataannya, rekonsiliasi, adalah perbedaan waktu antara musica speculativa dan musica activa – teori dan praktik. Dengan cara yang agak kuat, Guido merujuk ke dua domain dengan ayat yang terkenal:

Antara musisi dan penyanyi ada jurang yang lebar
Pertunjukan terakhir, yang pertama tahu, substansi musik

Dikotomi ini membuat Guido sedikit berkomentar polemik tentang “mereka yang melakukan apa yang tidak mereka ketahui” yang tetap hidup selama berabad-abad, meskipun banyak salah paham. Sementara Zarlino menghubungkan bab pengantar tentang pembagian musik ke dalam cabang-cabang spekulatif dan praktis dengan “perbedaan antara musisi dan penyanyi,” ia secara signifikan mendefinisikan kembali ide-ide dan istilah-istilah yang terlibat, karena ia berbicara tentang musico sebagai seniman yang mampu menilai tidak hanya terdengar tetapi juga “alasan yang terkandung dalam sains ini,” sedangkan prattico dianggap, dalam teksnya, setara dengan “komposer, penyanyi, atau pemain.” Dia menyatakan dengan tegas bahwa “musik praktis adalah seni tandingan,” dan bahwa ranah teori dan praktik, seperti dalam seni lain, saling melengkapi daripada menentang.

Yang menarik adalah ia merujuk pada praktik bermain serta menyanyi, karena munculnya musik instrumental telah menimbulkan tantangan baru bagi polifoni dan notasinya. Contoh musik Zarlino masih diatur sesuai dengan notasi buku paduan suara lama di mana suara-suara yang terpisah muncul berdampingan; dan persyaratan audisi untuk organis awal abad keenam belas, yang telah dilestarikan, menyerukan kemampuan untuk memainkan motet dari jumlah buku-buku bagian individu yang diberikan. Namun, pemahaman yang luar biasa dari tekstur polifonik, lambat laun menjadi pencapaian yang langka. Pengecualian bersejarah adalah pertemuan Mozart dengan musik paduan suara Bach, disimpan di perpustakaan gereja St. Thomas di Leipzig hanya di bagian yang terpisah. Kisah seorang saksi mata berbunyi: “dan kemudian bagi pengamat yang diam itu kegembiraan melihat betapa bersemangatnya Mozart duduk, dengan bagian-bagian di sekelilingnya – di kedua tangan, di lutut, dan di kursi di sebelahnya. –dan, melupakan segala sesuatu yang lain, tidak bangun lagi sampai dia telah memeriksa semuanya. ” Organis abad keenambelas itu, dihadapkan dengan tugas merender semua bagian dari komposisi polifonik pada satu instrumen, segera merasa perlu untuk menabulasi mereka dalam bentuk di mana suara simultan mereka dapat dengan mudah dikenali. “Tabulasi” yang dihasilkan mencirikan penampilan literatur keyboard awal dan menandai notasi skor keyboard modern.

Pengaturan skor sebenarnya dikenal sedini ars antiqua, karena karya-karya sekolah Notre Dame muncul di bagian-bagian yang ditulis satu di bawah yang lain, meskipun tidak selalu sejalan. Yang lebih tua, juga, adalah perangkat intabulasi itu sendiri, tetapi mencakup berbagai notasi yang diterapkan pada berbagai jenis alat musik instrumental. Bahkan, perangkat tablature kembali ke dunia kuno dalam notasi musik untuk instrumen seperti suling atau sitar dalam sistem yang hidup dalam tabulasi lute Renaissance. Namun, di sini, bukan serangkaian nada yang ditabulasi, melainkan posisi relatif jari atau string yang akan digunakan untuk menghasilkannya, dan tradisi telah bertahan dalam contoh notasi modern.

Sebaliknya, tablatures dari musik keyboard polifonik mempertahankan hubungan langsung dengan skor awal rendering musik vokal, dan mereka muncul pada sejumlah stave yang mewakili suara-suara yang berbeda dari komposisi, atau hanya pada dua stave, menunjukkan bagaimana suara-suara ini harus dikombinasikan. di tangan kanan dan kiri pemain.

Pengecualian tertentu adalah notasi tablature yang digunakan oleh organis Jerman, di mana nada tidak diidentifikasi oleh catatan tetapi oleh surat yang menunjuk mereka. Karena ini dilakukan dalam naskah Gotik, tablature organ Jerman menyajikan gambar yang sangat sulit, dan gambar ini menjadi membingungkan dua kali lipat melalui penggunaan sejumlah simbol khusus. Namun demikian, notasinya tepat. Ukuran dan bagian-bagian individu dikelompokkan dengan rapi; ritme ditandai dengan goresan, titik, dan bendera; dan register ditandai dengan garis-garis horizontal serta perbedaan antara penggunaan huruf kapital dan huruf kecil (di antaranya, menurut kebiasaan Jerman, b singkatan b-flat dan h untuk b-natural).

Di atas segalanya, naskah-naskah dalam tablature organ Jerman mengesankan lagi pada pembaca modern tentang fakta bahwa juru tulis mendekati tugasnya sebagai seni. Mungkin fitur yang paling mencolok pada halaman tablature organ Jerman adalah perpanjangan sesekali dari sebuah huruf yang, misalnya, “f” diubah menjadi “fis” (nama not Jerman untuk f-sharp). Apa yang merupakan singkatan dari suffix “is” menjadi berkembang, ekspresi yang sangat khas dari seni notasi musik. Dalam bentuk khusus dari tablature organ Jerman, seni ini pada akhirnya dimuliakan dalam kasus-kasus terisolasi yang muncul dalam tanda tangan Handel dan Bach.

Drama Kebangkitan Musik

Kita berbicara tentang kehidupan intelektual Renaisans sebagai Humanisme – studi tentang manusia – dan penulis pertama yang menggunakan istilah Renaissance, sejarawan Prancis Jules Michelet, merujuk pada kebangkitan kembali atau “kelahiran kembali” budaya kuno karena keduanya la découverte du monde dan la découverte de l’homme – penemuan dunia dan penemuan manusia. Ini merupakan indikasi era bahwa beberapa dokumen dalam koleksi ini, yang diawetkan dari abad keenam belas yang memudar, memiliki tanda tangan pribadi. Dalam sejarah dokumenter tanda tangan bergerak ke fokus, saat potret bergerak ke fokus sejarah bergambar. Musik Barat telah berabad-abad berevolusi terutama dalam pelayanan sakral, tetapi zaman baru seni mulai diorientasikan bukan oleh hubungan manusia dengan Tuhan seperti halnya dengan hubungannya dengan manusia. Ekspresi utamanya bukan lagi liturgi, melainkan drama manusia.

Sudah diketahui umum bahwa akademi yang terpelajar bertemu di salah satu istana Florentine untuk berdiskusi yang membahas tentang kebangkitan kembali seni dramatis jaman dahulu dan bahwa diskusi ini mengarah pada dimulainya drama musik. Nama Camerata, yang dengannya kelompok itu diingat, menandakan fakta bahwa perkembangan yang menentukan dalam musik telah berpindah dari gereja ke kamera, kamar pangeran. Namun para cendekiawan dan seniman Camerata sama sekali bukan pencetus musik dramatis, juga tidak ada pengaruh praktik musik sakral yang menurun karena evolusi musik dramatis. Dua orang besar Venesia pada masa itu, Gioseffo Zarlino dan Giovanni Gabrieli, yang dalam koleksi ini diwakili oleh tanda tangan, adalah musisi gereja; keduanya melayani di St. Mark’s. Tetapi karya Gabrieli, yang ketenarannya lebih baik dari semua musisi lain di zamannya, mengumumkan era baru, gaya musik baru yang benar-benar dramatis.

Tidak seperti musik Palestrina, ditulis untuk Papal Chapel dan lahir dari ide retrospeksi, musik Gabrieli bersifat progresif, bahkan revolusioner. Ini disukai kontras dramatis gaya “konser”, di mana beberapa paduan suara bersaing satu sama lain dalam pembukaan kemegahan resonansi, dan di mana “paduan suara” instrumen mulai mengambil peran independen. Sangat menarik bahwa kita menemukan tanda tangan Gabrieli dipasangkan dengan tanda tangan Heinrich Julius, Adipati Brunswick, salah satu pelindung musik paling terkemuka di era baru dan dia terlatih dengan baik sebagai seorang musisi. Akan tetapi, nama-nama Antonio Goretti, Giovanni Battista Buonamente, dan Luigi Battiferri membawa kita kepada generasi musisi gereja yang telah sepenuhnya berpengalaman dalam gaya dramatis sekuler, yang terbesar di antaranya adalah Claudio Monteverdi.

Di sini kita menemukan salah satu tokoh yang menjulang tinggi yang karyanya membentuk zaman dalam sejarah musik. Dilahirkan pada tahun 1567 di Cremona, kota pembuat biola terkenal, Monteverdi dilatih dalam seni kontrapuntal lama oleh Marco Antonio Ingegneri, pemimpin terkemuka Kapel Katedral, tetapi sebagai pemain biola di tahun-tahun muda ia ditunjuk untuk menjadi pengadilan ducal Mantua. Segera ia juga mendapatkan gelar cantore yang lebih dihormati, dan pada waktunya ia mengambil alih arahan semua musik instrumental dan vokal di istana. Pada pergantian abad ia telah menjadi eksponen terkemuka dari apa yang dalam karya-karya salah satu rekan sezamannya, letnan Florentine dan penyanyi Giulio Caccini, ditetapkan sebagai “nuove musiche” dan “nuova maniera di scriverla” (“musik baru” dan “cara baru menulisnya”), tetapi apa yang diserang oleh seorang kontemporer lain, ahli teori Bologi Giovanni Maria Artusi, sebagai “imperfettioni della moderna musica” (“ketidaksempurnaan musik modern”). Monteverdi menjawab tuduhan terakhir dengan pernyataan terkenal di mana dia dengan berani menyatakan bahwa dugaan ketidaksempurnaan itu pada kenyataannya adalah kesempurnaan; bahwa yang terlibat adalah gaya novel dengan legitimasinya sendiri; dan itu mewakili “Praktek Kedua,” yang didalilkan oleh persyaratan musik dramatis, yang prinsip-prinsip “Praktek Pertama” – yang dikodifikasi oleh Zarlino – tidak lagi diterapkan. Seperti halnya abad ke-14 yang menyatakan ars nova dalam musik, abad ke-17 yang meningkat dengan demikian membentuk periode gaya baru, yang pada kenyataannya, angka-angka sebagai awal dari banyak orang untuk mengikuti.

Pada 1607 Monteverdi menerima komisi pengadilan untuk menulis “dongeng musikal”, yang secara khas didasarkan pada legenda Orpheus, penyanyi mitos yang seninya menggerakkan kekuatan alam dan menaklukkan roh-roh supranatural. Orfeo menjadi karya Monteverdi yang paling terkenal. Di dalamnya ia memanfaatkan kekayaan ekspresi musik yang dihasilkan Renaissance, menempatkannya dalam pelayanan drama. Ini merupakan indikasi zaman baru bahwa di Orfeo bukan lagi suara saja yang melayani sarana dramatis tetapi juga instrumen – contohnya adalah penggunaan biola yang ekspresif, instrumen Monteverdi sendiri, dalam memperkenalkan lagu klimaks Orpheus. Prestasi Monteverdi melampaui pemenuhan tujuan Camerata. Musik itu sendiri yang menang melalui karyanya dalam kelahiran kembali drama kuno.

Namun “musik baru” teater itu segera dicampur dengan musik gereja. Pada 1613, setahun setelah Gabrieli meninggal, Monteverdi diangkat menjadi Master of the Chapel di Katedral St. Mark. “Konser suci” sekarang mengambil tempat di sebelah massa dan motet; dan dari sana akan muncul cantata gereja Protestan, untuk komponis gereja Jerman terbesar pada masa itu, Heinrich Schütz, yang telah belajar dengan Gabrieli dan Monteverdi, membawa bentuk-bentuk baru ke utara.

Giovanni Battista Buonamente, yang kurang dikenal sebagai salah satu pengikut Monteverdi, mungkin telah berbagi dengan Schütz peran yang terakhir sebagai penggagas musik dramatis di luar Pegunungan Alpen. Seperti Monteverdi, yang aktif di istana Gonzaga di Mantua sebagai pemain biola, ia menulis karya-karya di mana unsur keutamaan instrumental mulai mengemuka. Mereka adalah karakteristik dari kecepatan yang dengannya gaya dramatis telah memasuki semua aspek praktik musik. Ia menemukan ekspresi dalam sonata yang sekarang muncul sebagai pembeda dengan cantata sebagai bagian yang “terdengar” daripada dinyanyikan, dan akhirnya mengarah ke konser instrumental di mana satu atau beberapa solois dipilih dari orkestra. Tetapi pada skala yang lebih luas itu terus menyajikan musik untuk panggung. Pada kesempatan pernikahan Putri Eleanora Gonzaga dengan Kaisar Ferdinand II, Buonamente mengambil layanan di pengadilan Wina. Surat-suratnya yang dilestarikan kepada Pangeran Cesare Gonzaga memberikan kisah yang jelas tentang musik istana Kekaisaran, dan deskripsinya tentang Pastoral Comedia menunjukkan bahwa dialah yang menyusun musik instrumental untuk tarian dalam karya.

Istilah Comedia tidak mengandung konotasi permainan “komik” yang kemudian – lebih tepatnya, sesuai dengan asal kata Yunani, itu menunjuk pada hiburan meriah yang disajikan melalui lagu. Dalam suratnya yang ditulis di Parma pada 28 Februari 1628, Antonio Goretti, seorang pelindung musik dan sahabat Monteverdi, menyebutkan keinginannya yang kuat (“mi moro di voglia” – “Aku mati dengan keinginan”) untuk kembali dari Parma ke Ferrara untuk menghadiri Comedia yang akan datang di sana. Surat itu tampaknya ditujukan kepada Marchesa Bentivoglio yang mewakili salah satu keluarga aristokrat Ferrara dan dengan siapa Monteverdi dan Goretti berkunjung pada saat itu.

Sejak tahun-tahun pertamanya bekerja di istana Mantua, Monteverdi telah terhubung dengan berbagai cara dengan pengadilan tetangga Ferrara. Kehidupan bermusik di Ferrara, yang berkembang di istana, di gereja-gereja, dan di bioskop, telah menerima dorongan khusus dari berbagai akademi, masyarakat terpelajar dan filantropis yang kerap memelihara perusahaan musik mereka sendiri. Kepada salah satu dari mereka, Accademia degli Intrepidi, Monteverdi telah mendedikasikan Buku Madrigals Keempat, karya paling awal yang telah menyentuh kontroversi dengan Artusi. Akademi yang paling terkenal adalah Accademia della Morte (awalnya ordo monastik untuk membantu mereka yang dihukum mati), dan di antara sutradara musiknya yang terkenal adalah Luigi Battiferri, yang, hingga zaman Bach, dipuji sebagai master of seni kontrapuntal

Renaissance pada dasarnya adalah gerakan Italia, meskipun akarnya membentang di seluruh Eropa. Di utara itu disejajarkan dengan Reformasi yang akan memimpin dunia utara ke dalam perang yang berlangsung selama seluruh generasi – Perang Tiga Puluh Tahun. Ini sangat mempengaruhi semua kehidupan budaya, dan karya komposer seperti Schütz memberikan kesaksian yang fasih terhadap kesulitan zaman. Dalam pernyataan yang sangat menarik yang digunakannya untuk mencetak cetakan karya-karyanya, ia menyebut “masa-masa menyedihkan tanah air kita yang masih alami” dan dia memberikan saran kepada pemain tersebut tentang bagaimana komposisinya dapat dieksekusi dengan cara yang lebih sederhana daripada yang disebut untuk dalam bentuk tercetak.

Namun demikian, awal abad ketujuh belas melihat perubahan signifikan pada teks-teks Jerman dalam manuskrip dan edisi musik yang diterbitkan. Bahasa Jerman telah menjadi bahasa sastra yang mapan dengan terjemahan Alkitab Luther, dan sementara dalam dokumen-dokumen koleksi ini, kami sejauh ini hanya berurusan dengan bahasa Latin dan Italia, kami sekarang memiliki kumpulan karya yang sangat banyak di mana teks-teks dalam bahasa utara mendominasi. Munculnya drama musik menyebar di luar Pegunungan Alpen, dan ia menemukan ekspresi terkuatnya dalam liturgi Protestan.

Sepotong musik gereja Protestan tertua yang diwakili di sini memperkenalkan nama yang kurang dikenal, Johannes Wanning. Salah satu dari banyak musisi yang telah bermigrasi dari Belanda ke Jerman, komposer yang subur dan imajinatif ini adalah perwakilan sejati dari seni yang berkembang dengan baik dimana gereja baru mulai mengasimilasi pengaruh drama musik. Meskipun teks-teks Latin masih menonjol dalam musiknya, itu menunjukkan gaya yang benar-benar utara. Dia menghabiskan sebagian besar hidupnya di Danzig, salah satu pelabuhan laut Hanseatic, yang organ barunya di Gereja St. Mary telah “menimbulkan sensasi di seluruh Eropa.

Reformasi telah membagi benua menjadi Katolik selatan dan Protestan utara. Garis pemisah tidak pernah ditarik dengan tajam, tidak juga tetap tanpa berbagai kantong di utara dan selatan. Tetapi tidak ada pertanyaan bahwa divisi ini memulai pergeseran berat tertentu. Padre Giambattista Martini, guru Mozart muda, akan membuka risalahnya yang terkenal tentang tandingan dengan pernyataan bahwa dalam seni musik, abad keenambelas telah menjadikan Italia “nyonya negara-negara lain.” Hegemoni ini secara bertahap menurun pada abad-abad berikutnya, meski bukan tanpa meninggalkan warisan Italia kepada dunia. Bahasa Italia menjadi internasional dalam terminologi musik. Namun, di negeri-negeri di mana bahasa Jerman digunakan, garis pemisah tertentu antara musik Katolik dan Protestan menjadi mudah dikenali. Karya-karya Christoph Demantius dan Christoph Bernhard menandai generasi Protestan Jerman sebelum dan sesudah Schütz, sedangkan nama Wolfgang Ebner mengingatkan kita pada sebuah sekolah komposer yang berbeda yang karyanya memprakarsai gaya yang akan menjadi pengaruh yang bertahan lama di istana kekaisaran Katolik. dari Wina.

Elemen gaya yang menjadi ciri munculnya musik dramatis di mana-mana adalah bassus generalis atau basso continuo, papan menyeluruh yang mengiringi melodi vokal dengan dukungan harmonis keyboard atau instrumen akord lainnya serta berbagai instrumen bass. Sesuai dengan peruntukannya, ia memenuhi seluruh komposisi; dieksekusi oleh dirigen di keyboard, dengan dukungan instrumen bass, itu memberikan dasar yang pasti untuk kain musik sebagian besar didominasi oleh ekspresi dramatis dari solo vokal atau instrumental. Aturannya muncul secara bertahap, dan merupakan ciri khas musik gereja Demantius bahwa tekstur polifoniknya, meskipun cenderung ke arah polaritas suara-suara luar, dipertahankan tanpa diiringi terus-menerus. Orientasinya konservatif, meskipun dalam karyanya yang paling signifikan, St John Passion untuk paduan suara enam bagian, ia mewartakan bentuk di mana musik gereja Protestan berpuncak.

Christoph Bernhard, siswa terpenting Schütz, lahir di Danzig, kota tempat Wanning aktif, tetapi ia dilatih di Italia dan juga di Jerman. Dalam tulisan-tulisan teoretisnya yang penting, ia bertindak sebagai katalisator yang menafsirkan seni polifoni lama menjadi generasi baru. Melalui pengawasan Schütz, ia dididik secara menyeluruh dalam gaya a cappella, “cara Palestina,” tetapi dalam concerto keramatnya, yang sekali lagi mengadopsi model Schütz, gaya berkelanjutan modern dengan kuat ditegakkan. Karya-karyanya memiliki pengaruh langsung pada Dietrich Buxtehude, mentor Bach muda, ke era yang kehidupannya diperluas untuk Bernhard.

Karya Ebner, meski dibayangi oleh karya kontemporernya yang lebih besar, Johann Jakob Froberger, memandu kita pada seni keyboard Wina abad ke-17. Dance suite, salah satu bentuk tertua dari musik ensemble instrumental, sekarang muncul sebagai bentuk musik keyboard yang sopan, menggabungkan elemen gaya Prancis, Jerman, dan Inggris dengan pengaruh asli Wina. Musik keyboard Ebner

Berkano dan Berperahu Kayak di Olimpiade | Sejarah Olahraga

Olimpiade kano dan sejarah kayak adalah kisah yang membentang hampir seabad. Sejak acara kano Olimpiade pertama pada tahun 1924, disiplin kano dan kayak telah berkembang pesat. Dari terobosan dalam desain kapal hingga disiplin ilmu baru, bermain kano di Olimpiade telah berkembang dari acara demo menjadi olahraga 16 disiplin yang masih berkembang hingga saat ini.

Olimpiade Kano Dan Sejarah Kayak Pada 1920-an

Debut judi bola Olimpiade pendek dan manis. Pada Olimpiade Paris 1924, itu diperkenalkan sebagai olahraga demonstrasi dan kemudian tidak terdengar lagi selama lebih dari satu dekade. Pada tahun 1924 hanya atlet Amerika dan Kanada yang turun ke air dalam serangkaian balapan Sprint. Kayak dan kano keduanya diperagakan dengan acara dayung 1, 2 dan 4 untuk kedua gaya perahu.

Olimpiade Kano Dan Sejarah Kayak Pada 1930-an

Olimpiade Berlin 1936 menyaksikan kano berlari membuat penampilan resmi pertamanya di Aubsburg. Balap lebih dari 1000m dan jarak 10.000m ini adalah acara hanya laki-laki dengan 119 atlet dari 19 negara yang berbeda berjuang keluar. Kedua kano dan kayak berpacu dengan perahu dayung tunggal dan ganda melintasi kedua jarak.

Ada juga kelas kayak lipat di K1 dan K2 lebih dari 10.000 m. Alat-alat gila ini memiliki kerangka kayu lipat di dalam yang berarti mereka bisa dikemas hampir rata menjadi beberapa berbeda untuk penyimpanan dan pengangkutan. Sayangnya ini adalah satu-satunya Olimpiade yang akan menampilkan penemuan-penemuan lucu ini.

Austria dan Jerman, saat ini di bawah kepemimpinan partai Nazi, menduduki puncak papan kepemimpinan dengan masing-masing 7 medali, tetapi Austria hanya unggul 3 medali emas untuk negara tuan rumah 2. Negara-negara demo 1924 Kanada dan Amerika juga memenangkan medali sementara Inggris pulang tanpa membawa apa-apa .

Akan butuh waktu sebelum canoers dan kayakers dapat bertemu lagi di Olimpiade saat 1939 menandai dimulainya Perang Dunia Kedua. Jutaan nyawa hilang dan Olimpiade dihentikan lebih dari satu dekade.

Olympic Canoe Dan Kayak History In the 1940s

Perang akhirnya berakhir pada tahun 1945. Sebagai akibat dari konflik berdarah ini, Jerman dan Jepang dilarang mengirim atlet ke Olimpiade London 1948.

Meskipun mengalami kerugian besar dan kerusakan yang diderita sebagai akibat dari Perang Dunia Kedua, pertandingan London menjadi simbol harapan dan pertumbuhan saat menyambut para atlet kayak wanita pertama. Meskipun hanya ada satu acara, K1 500m, untuk wanita itu menandai langkah penting dalam pengembangan olahraga. Karen Hoff dari Denmark menjadi peraih medali emas kayak wanita pertama sementara Cekoslowakia dan Swedia mendominasi kompetisi dan menjadi tuan rumah negara Inggris Raya sekali lagi gagal memenangkan medali tunggal.

Olimpiade Kano Dan Sejarah Kayak Pada 1950-an

Melalui 50-an negara-negara Eropa terus berada di puncak daftar medali kano. Finlandia membersihkan di Helsinki pada tahun 1952 sementara Hungaria dan pembangkit tenaga kano di masa depan, Uni Soviet memimpin di Olimpiade Melbourne 1956.

Olimpiade Kano Dan Sejarah Kayak Pada 1960-an

Awal 1960-an melihat fiberglass dan perahu nilon semakin populer. Desain baru yang revolusioner, meskipun beratnya berat, biasanya mencapai lebih dari 30kg, canoers dan kayaker melihat peningkatan besar dalam kinerja mereka. Pada 1968, peraih medali Emas Hungaria, Tibor Tatai, mencatat waktu 4: 36,14 dalam C1 1.000m dibandingkan dengan pendamping asal Ceko Josef Holeček yang membawa pulang emas dengan kemenangan 4: 56,3 pada 1952.

Ada pertumbuhan lebih lanjut untuk program sprint dengan K2 500m yang ditambahkan ke acara wanita pada tahun 1960 dan K4 1.000m muncul sebagai acara pria pada tahun 1964. 1960 juga melihat penampilan satu kali dari Relay K1 4 × 500 m. Beberapa acara hilang juga karena semua lomba 10.000 meter diambil dari program

Hongaria terus menjadi kehadiran yang kuat sepanjang tahun 60-an dan Uni Soviet muncul ke permukaan, kekuatannya dipuji karena mampu menarik atlet dari pasokan personel militernya yang besar dan program pelatihan kano yang relatif murah. 60-an juga melihat Inggris tetap setia pada bentuk, membawa pulang tepat 0 medali untuk seluruh dekade.

Olimpiade Kano Dan Sejarah Kayak Pada 1970-an

Olimpiade Munich 1972 menyaksikan perubahan besar bagi program http://185.61.153.46/ Olimpiade karena slalom akhirnya menjadi bagian dari Olimpiade. Kelas K1, C1 dan C2 diperkenalkan untuk pria dan C1 untuk wanita.

Berkat Perang Dingin, perpecahan-perpecahan ideologis yang kuat antara Jerman Timur dan Jerman Barat memuncak dengan baik Uni Soviet yang diduduki Soviet maupun Barat yang lebih liberal dan demokratis berusaha membuktikan bahwa mereka adalah yang terbaik.

Dalam persiapan untuk masuknya slalom ke Olimpiade, Jerman Barat membangun stadion arung buatan buatan 14,9 juta mark ($ 24,5 juta hari ini) di Eiskanal. Sebagai satu-satunya fasilitas semacam itu di dunia, Jerman Barat memiliki keuntungan yang berbeda dalam hal pelatihan, tetapi Jerman Timur, bertekad untuk memberikan uang kepada Westies, mengirim agen rahasia untuk memetakan situs itu dan membangun kembali salinan rahasia kursus di Zwickau. Kejahatan James Bond terbayar ketika Jerman Timur menghancurkan semua kompetisi, membawa pulang setiap medali emas slalom.

Meskipun slalom sukses, biaya untuk membangun kursus arung dianggap terlalu tinggi dan disiplin kemudian menghilang dari program Olimpiade selama 20 tahun!

Soviet terus memerintah kano sepanjang 70-an sementara Inggris, dalam pergantian peristiwa yang benar-benar diharapkan, masih tidak membutuhkan ruang di rak mereka untuk medali kano.

Di bagian depan desain kapal, kevlar dan serat karbon mulai membuat tampilan dalam desain kapal. Dengan perubahan ini lebih kecil, kapal yang lebih cepat diizinkan oleh ICF (International Canoe Federation) membuka jalan bagi rekor rekor Olimpiade baru.

Olimpiade Kano Dan Sejarah Kayak Pada 1980-an

Timur dan Barat tetap berselisih sepanjang tahun 80-an. Amerika memboikot Olimpiade Moskow 1980 dan kemudian Uni Soviet dan beberapa sekutunya melewatkan Olimpiade Los Angeles 1984 sebagai imbalan.

1984 adalah pertama kalinya dalam dua dekade Soviet tidak memenangkan kano Olimpiade atau medali kayak, tetapi mereka tetap menjadi salah satu dari dua negara kano bersama teman dekat Jerman Timur, mengambil hampir setengah dari semua medali emas selama tahun 80-an. Meskipun Uni Soviet tidak setuju, Olimpiade LA masih merupakan berita bagus untuk kayak karena program kano wanita mendapatkan acara ketiga, K-4 500m.

Olimpiade Kano Dan Sejarah Kayak Pada 1990-an

1991 adalah berita besar bagi sejarah kano dan kayak Olimpiade dengan bubarnya Uni Soviet. Pusat kekuatan Blok Timur telah berkompetisi dalam Olimpiade terakhirnya, tetapi telah memenangkan cukup banyak emas untuk tetap berada di puncak tabel medali hingga Rio 2016

Slalom kano membuat kemenangan kembali di Olimpiade Barcelona 1992, menjadi perlengkapan permanen di kano Olimpiade dan program kayak. Setelah penyatuan kembali pada tahun 1990, Jerman yang baru bersatu menunjukkan apa yang bisa dicapai Timur dan Barat ketika mereka bekerja sama daripada membuang semua mainan mereka dari kereta bayi. Topping papan medali Jerman membawa pulang hampir sebanyak kano dan emas kayak sebagai seluruh dunia disatukan dan memimpin tabel medali selama sisa dekade ini.

Berita besar lainnya dari tahun 90-an adalah bahwa Inggris akhirnya belajar cara mendayung, ketika Gareth Marriot merebut perak di C1 Slalom di Barcelona. Sejarah kano slalom juga dibuat di Olimpiade Atlanta 1996 yang merupakan satu-satunya Olimpiade yang menampilkan lapangan putih yang hampir sepenuhnya alami berbasis di Upper Ocoee River di Tennessee. Satu-satunya perubahan yang dilakukan pada sungai yang menyempit sedikit untuk mengintensifkan aliran air untuk acara tersebut.

Olimpiade Kano Dan Sejarah Kayak Pada 2000-an

Untuk Olimpiade Sydney 2000, pembatasan lebar sprint boat dicabut, memicu gelombang baru desain kapal. Tanpa batas lebar, perahu ramping baru ini meningkatkan kinerja di seluruh cabang olahraga sehingga menghasilkan final seperti 2008 di mana final C1 1.000 m Putra memiliki waktu sub 4 menit di seluruh papan, Jerman dan Hongaria adalah pemimpin medali baru dekade ini, tetapi Inggris masih mengelola untuk memenangkan 8 medali termasuk kano pertama Emas ketika Tim Brabants menang di K1 1000m di Beijing 2008. Beijing juga melihat perampingan dalam jenis yang berbeda ketika 500 juta acara dilucuti dari program Sprint putra. Pada tahun 2004 legenda kayak Olimpiade, Birgit Fischer pensiun. Pada usia 42, pendayung Jerman tersingkir dari kompetisi Olimpiade sebagai juara kano Olimpiade tertua dan termuda. Fischer mengambil emas pertamanya pada usia 18 tahun di K1 500m di Olimpiade Moskow dan 24 tahun kemudian pensiun setelah memenangkan emas di K4 500m. Selama karirnya, Fischer telah memenangkan total delapan emas dan empat medali perak di 6 Game yang berbeda, menjadikannya sebagai kano Olimpiade yang paling dihiasi juga.

Olimpiade Kano Dan Sejarah Kayak Pada Tahun 2010-an

London 2012 menandai pengenalan balapan 200m pria di C1 K1 dan K2 dan perluasan lebih lanjut dari acara wanita dengan perlombaan K1 200m. Rio 2016 juga akan mengumumkan perubahan karena akan menjadi Pertandingan terakhir yang menampilkan slalom C2 pria.

London 2012 memamerkan kinerja kano terbaik Inggris, menempatkan ketiga di tabel medali dengan empat medali termasuk Emas di C-2 Slalom Pria dan K1 200m. Jerman dan Hongaria masih berada di puncak papan pemimpin, tetapi jika Tim GB membangun kesuksesan awal ini, 2010 akan menjadi dekade Inggris paling sukses dalam kano Olimpiade – ada beberapa pesaing medali yang kuat dalam acara kano dari Tim GB di Rio Games, memberi kami nilai tinggi berharap kita bisa mengalahkan hasil tangkapan dari London.

Olimpiade Kano Dan Sejarah Kayak Pada 2020-an

Dengan hampir seabad sejarah di belakang kano dan kayak, ada banyak hal yang harus dinanti di pertandingan Tokyo 2020 dan selanjutnya. Desain perahu terus berkembang dan sebuah program baru yang disetujui oleh ICF akan memberikan penyebaran acara pria dan wanita yang lebih merata. Menjatuhkan beberapa kompetisi pria seperti slalom C2 dan beberapa sprint pria akan memberi ruang bagi lebih banyak acara wanita termasuk sprint C2 500m baru dan C1 Slalom, membersihkan ruang untuk halaman baru yang akan ditulis dalam buku sejarah kano Olimpiade.